The third concert from August 2, 2026, with
Neil Stahurski.
Works by Georg Muffat (1653-1704), Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749), Johann Sebastian Bach (1685-1750), Jehan Alain (1911-1940)
My special discovery his time was the "Suite pour Orgue" by Jehan Alain. Very impressing. I've never heard of him, but I'm sure he listened a lot to Olivier Messiaen.
The concert was recorded for WQED-FM.
(Scroll down for English, please)
Der Witz von Gary Hustwits filmischem Brian-Eno-Portrait ist, wie hier in diesem Blog geschildert, dass eine Künstliche Intelligenz (KI) eingesetzt wird, um den Film bei jeder Vorführung bzw. bei jedem Abspielen anders aussehen zu lassen. Es werden Szenen ausgetauscht und durch andere ersetzt, dadurch werden Schwerpunkte verschoben und Inhalte umgestaltet. Das kann man so machen, es ist sicher eine clevere Idee, die an Enos "Generative Music"- oder seine "77 Million Paintings"Projekte angelehnt ist. Für mein Gefühl der Haupthaken dabei ist, dass nicht zwei Zuschauer denselben Film sehen und man sich insofern auch nur begrenzt über den Film unterhalten kann.
Interessant, dass die diesjährigen Bayreuther Festspiele ein vergleichbares Experiment wagen -- das in diesem Fall allerdings aus der finanziellen Not heraus geboren ist. Der "Ring" wird dieses Jahr nicht komplett neu inszeniert, sondern halbkonzertant aufgeführt. Das Orchester spielt, die Sänger und Sängerinnen stehen auf der Bühne und singen, während im Hintergrund und auf Gaze-Vorhängen von einer KI ausgewählte Bilder und Ausschnitte aus früheren Inszenierungen der Oper zu sehen sind. Diese werden live aus einem elektronischen Archiv zusammengestellt und live verändert. Konsequenterweise bezeichnet sich der Regisseur als "Kurator". Auch hier ist das Resultat, dass jede Aufführung einmalig bleiben wird.
Dass das alles noch nicht so funktioniert, wie es sich Regie und Ausstattung wohl erhofft haben, zeigen die verschiedenen Kritiken der "Walküre"-Aufführung.
Aber man darf gespannt sein, wie sich das weiterentwickeln wird.
As described in this blog, the interesting twist in Gary Hustwit’s cinematic portrait of Brian Eno is the use of artificial intelligence (AI) to ensure the film looks different at every screening or playback. Scenes are swapped out and replaced by others, shifting the focus and reshaping the content. It is certainly a clever approach—one inspired by Eno’s "Generative Music" or "77 Million Paintings" projects. To my mind, however, the main drawback is that no two viewers see the same film, which limits the extent to which one can discuss it with others.
It is interesting that this year’s Bayreuth Festival is attempting a similar experiment—though in this instance, it was born of financial necessity. Instead of a completely new staging, the "Ring" is being performed in a semi-staged format this year. The orchestra plays and the singers perform, while images and excerpts from past productions of the opera—selected by AI—are displayed in the background and on gauze curtains. These visuals are compiled and modified live from an electronic archive. Fittingly, the director describes himself as a "curator." Here, too, the result is that every performance will be unique.
The second concert from July 12, 2026, with
Pamela Shaw,
accompanied by violinist Warren Davidson.
Works by Alexander Därr, Jan Pieterszoon Sweelinck, Nicolaus Bruhns, Olivier Messiaen, Mark Sedio, Robert G. Farrell, Kenneth Danchik, Josef Rheinberger, Georg Friedrich Händel and as always Johann Sebastian Bach.
My special this time was "Oraison" by Olivier Messiaen, originally written for piano and Ondes Martenot, here arranged for organ by Christopher Carone.
The concert was recorded for WQED-FM.
(Scroll down for English)
Der Filmemacher Gary Hustwit hat schon sehr sehenswerte Filme gemacht; erinnert sei an sein Portrait des Designers Dieter Rams oder seinen Film über die Schrifttype Helvetica.
Brian Eno hatte schon die Filmmusik zu dem Rams-Film gemacht, da lag es wohl nahe, ihn auch selbst zu portraitieren. Seit 2024 wird der Film Eno jetzt durch die Arthouse-Kinos gereicht (das hieß: keine Chance in Pittsburgh), seit einigen Wochen wird er nun aber auch gestreamt. Seltsamerweise und leider wird die Kinofassung mit einer Spieldauer von 1 Stunde 40 Minuten angegeben, während die Stream-Fassung nur 1 Stunde 20 Minuten läuft.
Das Special ist, dass man den Film nie zweimal in derselben Fassung zu sehen bekommt. Immer werden kleine Ausschnitte ausgetauscht oder deren Reihenfolge verändert. Damit hängt sich der Film natürlich an Enos "Generative Music"-Konzept an. Das ist ein netter Gimmick, aber für den Normalzuschauer, der den Film nur einmal sieht, sinnlos, da man nicht die Möglichkeit hat, mehrere Fassungen miteinander zu vergleichen.
Der Film zeigt Schwerpunkte aus Enos Karriere, wir erleben kurz Bryan Ferry, David Byrne, Daniel Lanois oder David Bowie, wir sehen Brian Eno bei der Gartenarbeit oder beim Herumhacken auf einem Omnichord, beim Abspielen einer Ambient-Platte vor Publikum. Wir erfahren, dass Joni Mitchell einmal eine Ambient-Platte mit ihm machen wollte, er jedoch ablehnte, weil seine Ambient-Einspielungen von der Kritik zunächst schwer verrissen worden waren und er das Wort "Ambient" nicht mehr hören wollte. Heute möchte er sich dafür in den Hintern beißen. Wir sehen, dass Eno, der in seinem Diary-Buch "A Year with Swollen Appendices" von 1996 noch behauptet, seine Tagebuchversuche hätten immer bereits im Februar geendet, ein Riesenpaket sorgsam durchnumerierter und -datierter Notiz- und Skizzenbücher verwahrt -- immer getreu der alten Regel: Wenn du Künstler werden willst, dann bewahre alles auf, was du machst.
Das ist aber auch schon alles. Irgendwelche sensationellen Neuigkeiten über Eno bringt der Film nicht, dafür eine Menge schnelle Schnitte. Für die $11, die der Stream kostet, ein bisschen dünn.
Filmmaker Gary Hustwit has created some truly noteworthy films—recall his portrait of designer Dieter Rams or his film about the typeface Helvetica.
Having already composed the score for the Rams film, it seemed a natural next step to have Brian Eno himself as the subject of a portrait. Since 2024, the film Eno has been making the rounds in arthouse cinemas (which meant no chance of seeing it in Pittsburgh), but finally it's also available now for streaming. Oddly—and unfortunately—the theatrical cut is listed with a runtime of one hour and 40 minutes, whereas the streaming version runs for only one hour and 20 minutes.
The unique feature of this film is that one never sees the exact same version of the film twice; small segments are constantly swapped out or their order rearranged. In doing so, the film naturally aligns itself with Eno’s concept of "generative music." It is a nice gimmick, but ultimately pointless for the average viewer who watches the film only once, as there is no opportunity to compare different versions.
The film highlights key moments in Eno’s career: we catch glimpses of Bryan Ferry, David Byrne, Daniel Lanois, and David Bowie; we see Eno gardening, noodling on an Omnichord, or playing an ambient record for an audience. We learn that Joni Mitchell once wanted to make an ambient album under his direction, but he declined because his early ambient recordings had been savaged by critics and he couldn't stand the word "ambient" anymore—a decision he kicks himself for today. We also see that Eno—who claimed in his 1996 diary "A Year with Swollen Appendices" that his attempts at keeping a journal always fizzled out by February—actually preserved a massive collection of carefully numbered and dated notebooks and sketchbooks, all in keeping with the old rule: if you want to be an artist, keep everything you create.
But that’s about it. The film doesn’t offer any sensational new revelations about Eno—just a lot of quick cuts. A bit thin for the $11 the stream costs.
This summer's organ concert series at Saint Paul Cathedral started June 28, 2026 with
Ian Michael Brown
playing works by Tate Pumpfrey, Dietrich Buxtehude, Jean Langlais, Piere Camonin, Johann Sebastian Bach, Max Reger, Maurice Duruflé and Dom Paul Benoit.
My special discovery this time was "Mors et resurrectio", Op. 5 No. 1 by Jean Langlais (1907 - 1991). Never heard of him before, but this was an impressing piece.
The concert was recorded for WQED-FM.
(English: scroll down, please)
Let X=X live. Das ist zwischendurch auf drei LPs oder zwei CDs mal wieder ein Lebenszeichen von Laurie Anderson. Die hier dokumentierten Konzertausschnitte sind zwar auch schon drei bis fünf Jahre alt, aber immerhin, Laurie ist noch aktiv.
Der Live-Mitschnitt, den wir hier hören, stammt aus Konzerten mit der Band Sexmob (das sind Steven Bernstein und Douglas Wieselman, Blechblasinstrumente, Kenny Wollesen, Drums und Percussion, Briggan Krauss, Saxofon und Gitarre, Tony Scherr, Bass), außerdem als Zuspielung zu hören ist "Junior Dad", ein Ausschnitt aus dem Lulu-Album von Lou Reed und Metallica.
Ich hatte das Glück, Laurie Anderson im Deutschen Schauspielhaus in Hamburg zu erleben; es müsste 1986 gewesen sein. Das Plakat hängt noch heute über meinem Schreibtisch.
Die "Natural History" ist mir noch sehr lebendig in Erinnerung (nicht zuletzt allerdings auch deshalb, weil währenddessen mein Auto abgeschleppt wurde, aber das war's wert).
Eine "Performance" in dem Sinne, wie sie sie seinerzeit präsentiert hat, ist Let X=X live nun nicht mehr; bei einer Fünfundsiebzigjährigen kann man das wohl auch kaum noch erwarten. Es ist ein Konzert. Laurie Anderson spielt Repertoire, und davon hat sie inzwischen ja reichlich.
Erster Höreindruck: Ihre Stimme ist hörbar gereift. Auf Studioproduktionen, wenn sie sanft spricht, fällt das kaum auf. Hier auf der Bühne aber lässt sich die stimmliche Altersschwäche nicht überhören, wie sich auch neulich in ihrem Tiny-Desk-Miniauftritt zeigte. Dass Laurie einen Song wie "Gravity's Angel" heute eine Oktave tiefer singt als auf dem Originalalbum (Mister Heartbreak), ist nachvollziehbar und funktioniert auch. Zu Zeiten des Albums Strange Angels nahm Laurie Gesangsunterricht, auf der Platte sang sie wirklich mit Sopranstimme. Heute tut sie das vorsichtshalber nicht mehr; den Text des Songs "Ramon" von diesem Album spricht sie heute zum alten Playback. Kann man so machen, eine wirklich große Sängerin war sie ja eh nie, und sie fängt die Schwächen sehr gut durch die immer noch vorhandene Intensität ihres Vortrages auf.
Technische Klangänderungen per Vocoder oder Harmonizer setzt Laurie nach wie vor ein, aber deutlich sparsamer als früher. Das tut dem Erlebnis keinen Abbruch, eher im Gegenteil. Manchmal, etwa in "Looking at the Moon", fehlt der Show die optische Seite, ohne diese hängt das Stück musikalisch ein bisschen durch. Und wenn Laurie das Publikum auffordert, zehn Sekunden lang zu schreien (was es dann auch treudoof tut), ist das schlicht albern. Auch auf die Zuspielung von Lou Reed und Metallica (aus dem Lulu-Album) hätte ich verzichten können, aber er musste wohl mit rein.
Sexmob, die Band, kann ohne Frage spielen, aber sie hat nicht viel Spielraum. Sie begleitet großenteils die alten Andersonschen Originalplaybacks oder Teile daraus. Das überzeugt nicht immer, die Band klingt streckenweise wie später "dazuaddiert", sie spielt mit, aber scheint trotzdem oft ein bisschen neben der Musik zu stehen. Der generelle Klangeindruck der CDs: insgesamt in Ordnung, manchmal ein wenig pappig (aber das kann inzwischen auch an meinen Ohren liegen).
Früher hatte Laurie Anderson die Gewohnheit, die Setlist des Abends immer erst weniger Stunden vorher festzulegen, damit, wie sie sagte, keine Routine entstehen könne. Das ist hier offenkundig nicht mehr der Fall, das Programm wirkt wohlabgewogen und durchgestylt. Trotz der paar Schwachpunkte: Schön, dass es Laurie Anderson noch gibt.
Let X=X Live. This release—three LPs or two CDs—serves as a welcomed sign of life from Laurie Anderson. Although the concert excerpts documented here are already three to five years old, it is a relief nonetheless to know that Laurie remains active.
The live recording featured here is drawn from concerts performed with the band Sexmob (comprising Steven Bernstein and Douglas Wieselman on brass instruments, Kenny Wollesen on drums and percussion, Briggan Krauss on saxophone and guitar, and Tony Scherr on bass); also included—as a pre-recorded playback track—is "Junior Dad," an excerpt from the album Lulu by Lou Reed with Metallica.
I was fortunate enough to see Laurie Anderson perform live at the Deutsche Schauspielhaus in Hamburg; that must have been back in 1986. The poster from that event still hangs above my desk to this day.
The "Natural History" performance remains very vivid in my memory (not least, admittedly, because my car was towed during it—though it was worth it).
Let X=X is no longer a "performance" in the sense that she presented them back in the day—and at seventy-five, one can hardly expect that anymore. It is a concert. Laurie Anderson is performing repertoire—of which she has, by now, an abundance.
First impression: Her voice has audibly matured. On studio productions, when she speaks softly, this is barely noticeable. Here on stage, however, the vocal signs of aging are impossible to overlook—as was also evident recently in her Tiny Desk mini-performance. The fact that Laurie now sings a song like "Gravity's Angel" an octave lower than she did on the original album (Mister Heartbreak) is understandable, and it works. Back during the Strange Angels era, Laurie took vocal lessons; on that record, she truly sang in a soprano range. Today, she prudently refrains from doing so; for the lyrics to the song "Ramon" from that same album, she now simply speaks over the original backing track. It’s a valid approach—she was never a truly great singer anyway—and she compensates for her vocal limitations very effectively through the undiminished intensity of her delivery.
Laurie continues to employ technical vocal effects—such as vocoders or harmonizers—though now more sparingly than in the past. This does nothing to detract from the experience; quite the opposite, in fact. At times—such as during "Looking at the Moon"—the show lacks a little bit the visual dimension; without it, the piece feels a bit musically lackluster. And when Laurie prompts the audience to scream for ten seconds (which they dutifully—and somewhat sheepishly—proceed to do), it comes across as simply silly. I also could have done without the audio playback featuring Lou Reed and Metallica, though I suppose his inclusion was inevitable.
Sexmob—the backing band—can undoubtedly play, but they aren't given much room to stretch out. For the most part, the band performs alongside Anderson’s original backing tracks—or excerpts thereof. This isn't always convincing; at times, the band sounds as if they were merely "added in" later—they play along, yet often seem to stand slightly apart from the music. The general sonic impression of the CDs: overall decent, though occasionally a bit muddy (though by now, that might simply be my ears).
In the past, Laurie Anderson had a habit of finalizing the evening's setlist only a few hours beforehand—specifically, as she put it, to prevent routine from setting in. That is evidently no longer the case here; the program feels carefully balanced and meticulously styled. Despite these few weak points: It is wonderful that Laurie Anderson is still with us.
