(Deutsch: Bitte runterscrollen!)
"Record Covers" was supposed to be a chapter in the book Times & Sounds, but it had to be dropped due to space limitations. I had long forgotten about this manuscript, but recently rediscovered it. So here it is -- enjoy.
The mention of the band Nektar in the chapter "Bits & Pieces" leads to a special aspect – let's call it an excursus: the record cover. Of course, records had to be packaged. For a long time, however, the design of the cover was unimportant, because you simply asked the salesperson in the record store: "Do you have XYZ by singer ABC?", and the shop assistant took the record from the shelf and handed it to the customer. This changed in the late 1960s. The shelves became openly accessible, and customers could then browse and search through the records themselves. From that moment on, the record cover gained importance. Singles (45s) were often still sold in neutral sleeves that showed the record company's logo or some musical graphics and had a round hole in the middle through which you could read the lettering on the record label.
Only the 45s that were considered (potential) hits received a cover with titles, names, and – usually – a photo of the artist or band.
LPs were larger, so their sleeves offered more design possibilities. While the design of album covers was already considered important in the USA and Great Britain around 1966, it took a few more years in Germany before the record companies recognized this. Not that German albums didn't have covers – of course they did, but they usually didn't show much more than the singles: simple, but mostly very colorful photos of the artists in more or less original poses, combined with arbitrary Letraset fonts. The stylish sleeves of record companies MPS or later ECM were an exception. It wasn't until the early 1970s that some (though not all) German record labels discovered the record sleeve as an important component of album presentation that could contribute to a record's sales. Subsequently, there were even photographers and graphic design studios that specialized in designing such covers; the English company Hipgnosis is one example.
Among the first labels in Germany to focus on cover design was the Frankfurt-based company Bellaphon with its sublabels Bacillus and Admiral. Most of the artists on these labels got their record covers designed by the same graphic artist, which resulted in a distinctive "corporate style." The name of this artist is Helmut Wenske. He's hardly ever mentioned anymore today; it's becoming increasingly difficult to find material about him. His work was seen as controversial from the start; some editors seemed to genuinely hate him, such as Jürgen Frei in Sounds: "Just as Wenske's bombastic daubings degrade surrealist art into a childish chamber of horrors, so too do his infantile verses pile up meaningless metaphors into metaphysically steaming dung heaps" – one can ponder Frei's metaphorical skills if one so desires.In fact, Helmut Wenske from Hanau (near Frankfurt) is a remarkable artist. Born in 1940, he no longer remembers exactly when he started drawing, but, as he says, he did it out of an inner need to cope with himself and the world around him without going crazy. His mother didn't like his pictures because she felt they were "painted in the wrong colors." Later, Wenske became a porcelain painter and, in the mid-1960s, worked as a decorator at the Hertie department store in Hanau. His jobs there included creating large facade posters. He was able to utilize this skill later when he lived in an apartment above a brothel (a "third-rate" one, as he says): He earned a large part of his living creating decorative, pornographic paintings in and on the striptease bars of Hanau's red-light district (a bit similar to Erwin Ross, who worked in Hamburg's red-light district and was not coincidentally called the "Rubens of St. Pauli," and whose works still adorn some bars there today).
As an in-house graphic designer, Wenske created over 100 record covers for Bellaphon and its sub-labels Bacillus and Admiral, for both singles and albums. Most of his cover designs were rather unspectacular, especially those for singles: "This work didn't have much to do with painting. I cobbled together layouts, selected the best of three or four miserable slides of the artist, chose colors and fonts, hammered together advertisements, and slapped on some text to get out of that madhouse as quickly as possible."
Independently, Wenske also worked with oil and gouache paints, creating oil paintings, gouaches, and pencil drawings on a freelance basis. He developed a style that, once seen, was instantly recognizable. After a while, however, particularly in connection with the band Nektar, he began to use these works for cover illustrations – at least five of his paintings were used for Nektar album covers between 1972 and 1975; he also created the "Nektarman," which became their trademark: A felt-tip pen drawing, 96 x 48 cm, originally titled "Hermaphrodite," 1972; the original is lost.
Wenske's paintings were not easy to digest. Their hallmarks were meticulous, often highly detailed precision, dreamlike perspective distortions, and overwhelming optical illusions, mixed with complex surreal figures and horror motifs; sexual allusions are also frequently present. In many paintings, but especially in his monochrome pencil drawings, one finds faces that are often only noticeable upon closer inspection. The viewer is transported into illogical worlds between geometric scaffoldings, fish-eye optics, melting and decay, lava and mold. Moments of relaxation are rare (with the possible exception of some self-portraits); the atmosphere is usually characterized by turmoil and endless desolation. The depicted figures mostly appear sad or panicked, their faces (especially the ones you recognize on second view) stare maliciously and aggressively. It's probably safe to assume that Wenske attempted to process LSD experiences by painting these scenes. (He wouldn't be the only one. H.R. Giger developed his "Alien" figures in a similar way.) But, as Wenske says, "I've always enjoyed my nightmares."
In addition to album covers, Wenske also provided illustrations for porn magazines and other pulp fiction, but also a large number for science fiction book covers, including those published by the renowned Insel Verlag. Among the books he contributed to are numerous science fiction anthologies and German editions of works by Stanisław Lem, such as "Der futurologische Kongress," and Philip K. Dick's "LSD-Astronauten" (which is originally titled "The Three Stigmata of Palmer Eldritch"—only German publishers and film distributors manage to invent such idiotic title mutilations).
Between 1971 and 1976, Wenske published a series of posters, a wall calendar, and several art books, the latter usually introduced with pompous essays. At least one of these books ("Ahasverus," 1973) contains (mediocre) poems and prose written by Wenske, loosely constructed around his paintings:
In the art book "Gesichte des Athanasius Pernath" ("Visions of Athanasius Pernath", 1977), a cycle of nine portraits loosely connected to Gustav Meyrink's novel "Der Golem," Wenske's paintings became more subtle. The colors were less striking, but the motifs were still anything but comforting.
Wenske
lived in a creative frenzy that, according to his own account, lasted
about five years and must have been extreme at times. "Sometimes I
painted around the clock, for days on end, driven by inner visions that I
often unconsciously put on paper."
His works were also shown in several
solo and group exhibitions, which were reviewed by some reputable
newspapers, such as the Neue Zürcher Zeitung: "The surfaces are painted with astonishing meticulousness, depicting various stages of weathering, swelling, and decay. However, these are images that stand on their own, largely resisting interpretation or explanation." A small book, "Psychogramme – Stimmen zur Somnambulanz" (1980), documents reactions to one of these exhibitions:
This was connected to the art book "Letzte Aufzeichnungen aus der Somnambulanz" ("Last Notes from Somnambulism", 1979, the word play from German "Somnambulanz" and "Ambulanz" is hard to translate). The relatively thin book featured black-and-white pencil drawings without commentary. From page to page, the lines become thinner and thinner. In the end, only a white page remains with a single tree (or is it a face? a brain?) in the upper right corner. Wenske: "Fortunately,
the tension eased at the end of the seventies, when my painting became
less colorful, the objects, as if afflicted by cancer, dissolved,
everything was reduced to a line and ended in a point. I was free!" Consequently, this
one remained Wenske's last art book.
Under the pseudonym Chris Hyde (it was never a secret who was the person behind this name), Wenske also published several books, particularly about the rock 'n' roll scene in Hanau, which he knew well. I'm not familiar with most of these books, but the main themes of those I have read seem to be: bands, drinking, and pretending to be the toughest guy on the block. They prove once again that writing isn't Wenske's strong suit, but the books can't be denied a certain authenticity: the man knows what he's talking about. Anyone interested in the early rock 'n' roll scene in Germany should take a look at them.
Despite his exhibitions and book publications, Wenske's works never reached the serious art trade. I don't know whether he ever considered this an
important goal for himself, but the scorn he heaps in his books on all
the oh-so-incompetent critics, essayists, record company executives,
former supporters, and other idiots suggests disappointment and
bitterness towards them. But it's not my job speculating about that.
Finally, Wenske took a job at a logistics company and otherwise spent a lot of time with horses. For three years, he was under suspicion of murder until a newly developed DNA testing method proved that he could not have been the perpetrator.
In 2009, he appeared as a contemporary witness in the documentary film "Roll Over Hanau -- Eine Stadt, die Amerikaner und ihre Musik" by Axel Czarnecky and Daniel Siebert, showing the lasting cultural influence of American soldiers on West German youth in the 1950s and 60s.
Most of his original works are in his own or other private collections. The URL of his website is for sale, and he once had a Facebook page, but it no longer exists. Sets of his old, unsold posters can be bought cheaply on eBay. Occasionally, one of his art books turns up in the second-hand market. They were usually numbered and limited editions (like the one below), signed, or contained a signed serigraph (as came with "Athanasius Pernath"), but so far the prices on eBay, ZVAB or elsewhere haven't skyrocketed.
Dozens of Bacillus and Bellaphon records between 1971 and 1975 featured Wenske's designs, and his graphics eventually became a cult object among hard rock fans, like these ones:
In a way, Wenske was for Germany what Roger Dean, or Storm Thorgerson and Aubrey Powell (Hipgnosis) were for England. However, while their illustrations were intended to be record covers, several of Wenske's record and book covers were originally "fine art" and not originally intended for secondary use. The resulting problem was that his paintings often depicted scenes that had no thematic connection whatsoever to the records or books for which they were used. Not every band was entirely happy with this. However, Wenske appeared as "best graphic artist" in several science fiction reader polls.
When
I was about 15, Wenske's record covers, posters, and wall
calendar gave me first encounters with Surrealism. They opened a door
that allowed me to discover an art movement that I had only known by
name until then. And I certainly wasn't the only one. Well, I no longer have
the posters on the wall, but they still live in a cardboard tube in the
basement; this one ("Babel") among them:
Helmut Wenske is a part of the history of German rock music.
Whether you like it or not, he transformed the covers of German rock
albums into applied art. And surprisingly, in 2025 (he was 85 then!), he sent an
unexpected sign of life: "Colours & Sounds," a 450-page tome that he
apparently considers a kind of retrospective of his life's work.
There weren't many artists who designed record covers in such a distinctive style. Besides Wenske, the Swiss artist Urs Amann should be mentioned, also a Surrealist, who designed several record covers for Klaus Schulze between 1972 and 1975, of which the cover for "Timewind" (1975) is probably the best known.
Another artist worth mentioning was Petrus Wandrey from Dresden. He studied design in Hamburg, where he spent the rest of his life, except for a short period when he was employed by WDR television in Cologne and designed the production design for "Brandstifter" (Arsonists), an early television film about the beginnings of the "Red Army Faction". His main works include paintings, sculptures, installations, furniture, and jewelry design. To earn money for his art projects, he began designing covers for the magazines Stern, Spiegel, and Playboy, as well as book illustrations and posters for some Fassbinder films. A fan of the Dada movement, Warhol's Pop Art, and Dalí's Surrealism, he developed a style that moves somewhere in between, but his individual signature style is unmistakable:
In the 1970s, he designed around 40 record covers for rock, jazz, and classical albums, which were usually signed "Wandrey's" or "Wandrey's Studio" (which was actually just himself). His rock album covers include several for Doldinger's Passport, but also Can's "Monster Movie" (apparently with a little help from a comic panel from "The Mighty Thor" by Jack Kirby), Guru Guru's "Don't Call Us – We Call You", Grobschnitt's "Jumbo", Scorpions' "Lonesome Crow" and "Fly To The Rainbow", and several more. His work on record covers ended in the 1980s when he discovered plotters, video, the Quantel Paintbox, and computer graphics.
Also worth mentioning: Peter Geitner, who worked for Rolf-Ulrich Kaiser's three labels:
Barbara and Burkhart Wojirsch, Dieter Rehm, and other influential graphic designers and photographers worked for the Munich ECM label, like these ones:
The ECM sleeves became famous immediately for their distinctive and recognizable graphic design, photos and typography; they saw exhibitions and were published in art books which are sold second-hand now for fantasy prices:
Painter Albert Oehlen ("Mirror Repair" by Gastr Del Sol):
There's also Gerhard Richter -- his painting "Candle" for Sonic Youth's Daydream Nation is now famous, he also designed a Steve Reich cover:
Photographer Wolfgang Tillmans ("3 Weeks" by Tiga):
Reinhard Hippen, graphic artist and kabarett historian was a contributor for Rolf-Ulrich Kaiser's labels Ohr and Pilz; he also developed the "Macht das Ohr auf" ("open your ears") logo:
The Beuys and Richter student Emil Schult made some covers and posters for Kraftwerk:
Monika "Monique" and Edgar Froese designed their own Tangerine Dream covers with graphics and photos; Edgar had temporarily worked as a graphic designer for the Berlin transport company (BVG).
Dieter Moebius of Cluster made covers for his own band as well as for others:
There were some more artists doing record sleeves and could have been mentioned here. However, most record covers were designed by anonymous graphic designers, who were mostly employed by a record company. And that's exactly how most of their covers looked.
Sources:
- Helmut Wenske: Scheiß drauf -- Eine Rock'n'Roll-Bio in Bildern, ein Leben gegen den Strich. Berlin 2003. (Passim and pages 124, 131, 133, 142)
- Wenske/Hyde: Colours & Sounds -- Storys und Malerei zur Rockmusik. Berlin 2025
- Lars Müller: ECM -- Sleeves of Desire. Princeton 1996
- Axel Czarnecky, Daniel Siebert: Roll over Hanau -- Eine Stadt, die Amerikaner und ihre Musik. Documentary film, Germany 2009.
- Klaus Lemke: Brandstifter. Film, Germany 1969.
- Jack Kirby: Panel from "The Mighty Thor" #134, November 1966
- and some more.
© Halvmall Verlag, Bremen 2020
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"Plattencover" sollte ein Kapitel in dem Buch Der Sound der Jahre werden, es musste aber aus Platzgründen unter den Tisch fallen. Ich hatte es längst vergessen, habe es aber kürzlich wiederentdeckt. Hier ist es, wohl bekomm's.
Die Erwähnung der Band Nektar führt zu einem besonderen Aspekt – nennen wir es einen Exkurs: dem Schallplattencover. Natürlich mussten Schallplatten irgendwie verpackt werden. Lange Zeit war jedoch die Gestaltung der Hülle unwichtig, denn man fragte den Verkäufer im Plattenladen einfach: „Haben Sie XYZ von Sänger ABC?“, der Verkäufer holte die Platte aus dem Regal und reichte sie dem Kunden. In den späten 1960ern änderte sich das. Die Regale wurden offen zugänglich, die Kunden konnten dann selbst in den Platten stöbern und suchen. Von diesem Moment an gewann die Schallplattenhülle an Bedeutung. Singles wurden zwar oft noch in neutralen Hüllen verkauft, die das Logo der Plattenfirma oder einige musikalische Grafiken zeigte und ein rundes Loch in der Mitte, durch das man die Beschriftung auf dem Plattenlabel lesen konnte.
Nur die Singles, die als (potenzielle) Hits galten, erhielten ein Cover mit Titeln, Namen und – meistens – einem Foto des Künstlers bzw. der Band.
Langspielplatten waren größer, daher boten ihre Hüllen mehr Gestaltungsmöglichkeiten. Während die Gestaltung von Albumcovern in den USA und Großbritannien bereits um 1966 als wichtig erachtet wurde, dauerte es in Deutschland noch einige Jahre, bis die Plattenfirmen dies erkannten. Nicht, dass deutsche Alben keine Hüllen gehabt hätten – natürlich hatten sie welche, aber sie zeigten meist nicht viel mehr als die Singles: einfache, aber meist arg farbenfrohe Fotos der Künstler in mehr oder minder originellen Posen, kombiniert mit beliebigen Letraset-Schriftarten. Die stilvollen MPS- oder später ECM-Cover bildeten eine Ausnahme. Erst Anfang der 1970er Jahre entdeckten einige (nicht alle) deutschen Plattenlabels die Schallplattenhülle als wichtigen Bestandteil der Albumpräsentation, der zum Verkauf einer Platte beitragen konnte. Es gab in der Folge sogar Fotografen und Grafikateliers, die sich auf die Gestaltung solcher Cover spezialisierten; erwähnt sei als ein Beispiel die englische Firma Hipgnosis.
Zu den ersten Labels, die sich in Deutschland um die Covergestaltung kümmerten, gehörte die Frankfurter Firma Bellaphon mit ihren Sublabels Bacillus und Admiral. Die meisten Künstler dieser Labels erhielten ihre Schallplattencover von demselben Grafiker, wodurch ein bestimmter „Corporate Style“ entstand. Der Name dieses Künstlers ist Helmut Wenske. Er wird kaum noch erwähnt, es ist schwierig geworden, Material über ihn zu finden. Seine Werke wurden von Anfang an kontrovers beurteilt, manche Redakteure schienen ihn regelrecht zu hassen, etwa Jürgen Frei in Sounds: "So wie die schwülstigen Pinseleien Wenskes die surrealistische Kunst zum kindischen Gruselkabinett erniedrigen, genau so wuchten die infantilen Verse sinnentleerte Metaphern zu metaphysisch dampfenden Misthaufen" – über Freis metaphorische Künste möge nachdenken, wer möchte.
Helmut Wenske aus Hanau (bei Frankfurt) ist in jedem Fall ein bemerkenswerter Künstler. Geboren 1940, erinnert er sich nicht mehr genau daran, wann er mit dem Zeichnen begann, aber, wie er sagt, tat er es aus einem inneren Bedürfnis heraus, um mit sich selbst und der Welt um sich herum zurechtzukommen, ohne verrückt zu werden. Seine Mutter mochte seine Bilder nicht, weil sie sie als „in den falschen Farben gemalt“ empfand. Später wurde Wenske Porzellanmaler und arbeitete Mitte der 1960er Jahre als Dekorateur im Kaufhaus Hertie in Hanau. Zu seinen Jobs dort gehörte das Anfertigen großer Fassadenplakate. Diese Fähigkeit konnte er später nutzen, als er in einer Wohnung über einem Bordell lebte (einem"drittklassigen", wie er sagt): Er verdiente einen guten Teil seines Lebensunterhalts mit dekorativen, pornografischen Gemälden in und an den Striptease-Bars des Hanauer Rotlichtviertels (ähnlich wie der in Hamburgs Rotlichtviertel tätige Erwin Ross, den man nicht aus Versehen den "Rubens von St. Pauli" nannte und dessen Werke dort noch heute manche Bar zieren).
Als Hausgrafiker gestaltete Wenske über 100 Schallplattencover für Bellaphon und dessen Sublabels, sowohl für Singles als auch für Alben. Die meisten seiner Coverdesigns waren eher unspektakulär, insbesondere die für Singles: „Diese Arbeit hatte nicht viel mit Malerei zu tun. Ich bastelte Layouts zusammen, wählte aus drei oder vier miserablen Dias des Künstlers das beste aus, entschied mich für Farben und Schriftarten, hämmerte Anzeigen zusammen und klatschte ein paar Texte hin, um so schnell wie möglich aus dieser Irrenanstalt rauszukommen.“
Unabhängig davon arbeitete Wenske auch mit Öl- und Plakafarben, auf freier Basis entstanden Ölgemälde, Gouachen, Feder- und Bleistiftzeichnungen. Er entwickelte einen Stil, den man, hatte man ihn einmal gesehen, sofort wiedererkannte. Nach einer Weile begann er dann aber, insbesondere im Zusammenhang mit der Gruppe Nektar, diese Werke auch für Coverillustrationen zu verwenden – mindestens fünf seiner Gemälde wurden zwischen 1972 und 1975 für Nektar-Albumcover verwendet; von ihm stammt auch der „Nektarman“, der zu ihrem Markenzeichen wurde (eine Filzstiftzeichnung, 96 x 48 cm, ursprünglich betitelt „Hermaphrodit“, 1972; das Original ist verschollen).
Wenskes Gemälde waren keine leichte Kost. Ihre Kennzeichen waren detailgetreue, oft sehr kleinteilige Präzision, traumhafte Perspektivverzerrungen, überbordende optische Täuschungen, vermischt mit komplexen surrealen Figuren und Horrormotiven, oft finden sich auch sexuelle Anspielungen. In vielen Gemälden, insbesondere aber auch in seinen monochromen Bleistiftzeichnungen, findet man Gesichter, die man oft erst auf den zweiten Blick überhaupt wahrnimmt. Man wird in unlogische Welten zwischen Schmelzen und Zerfall, geometrischen Gerüstkonstruktionen, Fischaugenoptik, Lava und Schimmel entführt. Momente der Entspannung sind selten (mit Ausnahme vielleicht einiger Selbstportraits); die Atmosphäre ist meist von Aufruhr und endloser Trostlosigkeit geprägt. Die dargestellten Figuren wirken meist traurig oder panisch, Gesichter sind oft versteckt; entdeckt man sie nach einer Weile, starren sie bösartig und aggressiv. Man liegt wohl nicht falsch mit der Vermutung, dass Wenske mit der Malerei dieser Szenen versucht hat, LSD-Erlebnisse zu verarbeiten. (Er wäre nicht der Einzige. H.R. Giger entwickelte seine „Alien“-Figuren auf ähnliche Weise.) Aber, wie Wenske sagt: "Ich hab' meine Alpträume immer genossen."
Neben den Plattencovern lieferte Wenske auch Illustrationen für Pornohefte und andere Groschenliteratur, in großer Zahl aber aber auch für Science-Fiction-Bücher, unter anderem des renommierten Insel-Verlags. Zu den Büchern, an denen er beteiligt war, gehören neben zahlreichen SF-Sammelbänden deutsche Ausgaben von Werken von Stanisław Lem, etwa "Der futurologische Kongress" oder Philip K. Dicks "LSD-Astronauten" (das im Original "The Three Stigmata of Palmer Eldritch" heißt -- depperte Titelverhunzungen dieses Kalibers bekommen nur deutsche Verlage und Filmverleiher hin).
Zwischen 1971 und 1976 veröffentlichte Wenske eine Reihe von Postern, einen Wandkalender und einige Kunstbücher, die letzteren meist von pompösen Essays eingeleitet. Mindestens eines dieser Bücher („Ahasverus“, 1973) enthält von Wenske verfasste (nicht allzu geglückte) Gedichte und Prosatexte, die um seine Gemälde herumkonstruiert sind.
In dem Kunstband „Gesichte des Athanasius Pernath“ (1977), einem Zyklus von neun Porträts in Verbindung mit Gustav Meyrinks Roman „Der Golem“, wurden Wenskes Gemälde subtiler. Die Farben wurden weniger plakativ, aber die Motive waren immer noch alles andere als gemütlich.
Wenske
lebte in einem kreativen Schaffensrausch, der nach seiner eigenen
Aussage etwa fünf Jahre andauerte und zeitweise extrem gewesen sein
muss. „Manchmal malte ich rund um die Uhr, tagelang, angetrieben von
inneren Visionen, die ich oft unbewusst zu Papier brachte.“ Man sah
seine Werke auch in einigen Einzel- und Gruppenausstellungen, die auch von seriösen Zeitungen rezensiert wurden, etwa der Neuen Zürcher Zeitung: "Mit verblüffender Akribie gemalte Oberflächen in verschiedenen Zuständen der Verwitterung, des Aufquellens und des Abbaus. Es sind aber Bilder, die für sich bleiben, versagen sie sich doch auf weite Strecken dem Nachvollzug." Stimmen von Kritikern und Besuchern einer dieser Ausstellungen dokumentiert das Bändchen
"Psychogramme -- Stimmen zur Somnambulanz" (1980):
Der Titel bezieht sich auf das Kunstbändchen „Letzte Aufzeichnungen aus der Somnambulanz“ (1979), das ohne Kommentare Schwarz-Weiß-Bleistiftzeichnungen zeigt. Von Seite zu Seite werden die Linien dünner und dünner. Am Ende bleibt nur noch eine weiße Seite mit einem einzelnen Baum (oder ist es ein Gesicht? ein Gehirn?) in der oberen rechten Ecke. Wenske: „Zum Glück ließ die Anspannung Ende der Siebzigerjahre nach, als meine Malerei farbloser wurde, die Objekte, wie von Krebs befallen, sich auflösten, alles auf eine Linie reduziert wurde und in einem Punkt endete. Ich war frei!“ Konsequenterweise blieb dies Wenskes letzter Kunstband.
Unter
dem Pseudonym Chris Hyde (es war nie ein Geheimnis, wer sich hinter diesem Namen verbarg) veröffentlichte Wenske auch einige Bücher
insbesondere über die Rock-'n'-Roll-Szene von Hanau, die er gut kannte.
Die meisten dieser Bücher kenne ich nicht, aber die Hauptthemen derer,
die ich gelesen habe, scheinen zu sein: Bands, Alk, jemandem die Schnauze polieren, und so tun, als sei man der gefährlichste
Typ im Häuserblock. Sie beweisen einmal mehr, dass Schreiben nicht
Wenskes Stärke ist, aber einen Hauch von Authentizität kann man den
Büchern nicht absprechen: Der Mann weiß, wovon er redet. Wer sich für
die frühe Rock'n'Roll-Szene in Deutschland interessiert, sollte einen
Blick riskieren:
Trotz der Ausstellungen und Buchveröffentlichungen haben Wenskes Werke den seriösen Kunstmarkt nie erreicht. Ich weiß nicht, ob er das jemals als ein wichtiges Ziel für sich gesehen hat, aber die Häme, die er in seinen Büchern eimerweise über all die ach-so-inkompetenten Kritiker, Essayisten, Plattenfirmenleute, ehemaligen Unterstützer und andere Idioten ausschüttet, deuten auf Enttäuschung und Verbitterung ihnen gegenüber hin. Aber darüber zu spekulieren ist nicht meine Aufgabe.
Wenske nahm eine Anstellung bei einem Logistikunternehmen an und verbrachte ansonsten viel Zeit mit Pferden. Drei Jahre lang stand er unter Mordverdacht, bis ein neu entwickeltes DNA-Testverfahren bewies, dass er nicht der Täter sein konnte.2009 trat er in dem Dokumentarfilm "Roll Over Hanau -- Eine Stadt, die Amerikaner und ihre Musik" von Axel Czarnecky und Daniel Siebert auf, der den nachhaltigen kulturellen Einfluss der amerikanischen Soldaten auf die westdeutsche Jugend der 1950er und 60er Jahre zeigt.
Die meisten von Wenskes Originalwerken befinden sich in seinem eigenen oder anderem Privatbesitz. Die URL seiner Webseite steht zum Verkauf, es gab auch mal eine Facebook-Seite von ihm, die aber nicht mehr existiert. Über eBay, ZVAB oder andere Internetportale kann man gelegentlich Sets seiner alten, remittierten Poster für wenig Geld kaufen. Manchmal taucht auch einer seiner Kunstbände im Second-Hand-Handel auf. Normalerweise waren diese Bände als limitierte Auflagen nummeriert und signiert (wie dieses hier), oder sie enthielten, wie der Pernath-Band, eine signierte Serigrafie, aber bislang sind die Preise trotzdem nicht in den Himmel geschossen.
Etliche Dutzend Bacillus- und Bellaphon-Schallplatten zwischen 1971 und 1975 hat Wenske gestaltet, und seine Grafiken entwickelten sich nach einer Weile zu einem Kultobjekt unter Hardrock-Fans -- etwa diese:
Als ich so um 15 Jahre alt war, brachten mir Wenskes Plattencover, Poster und der Wandkalender erste Begegnungen mit dem Surrealismus. Sie öffneten ein Tor, das mich eine Kunstrichtung entdecken ließ, die ich bis dahin nur dem Namen nach kannte. Und da war ich bestimmt nicht der einzige. Na gut, heute habe ich die Poster nicht mehr an der Wand, aber sie liegen noch immer in einer Papprolle im Keller -- zum Beispiel "Babel":
Helmut Wenske ist Teil der Geschichte des deutschen Rocks. Ob einem sein Werk gefällt oder nicht, mit ihm wurden die Covers deutscher Rockplatten zu angewandter Kunst. Und überraschend sandte er 2025 (da war er immerhin 85!) ein unerwartetes Lebenszeichen: "Colours & Sounds", einen 450-seitigen Wälzer, den man wohl als eine Art Lebensbilanz betrachten darf:
Es gab nicht viele Künstler, die Plattencover in einem so unverwechselbaren Stil gestalteten. Neben Wenske sei der Schweizer Künstler Urs Amann erwähnt, ebenfalls ein Surrealist, der zwischen 1972 und 1975 mehrere Plattencover für Klaus Schulze entwarf, von denen das Cover von „Timewind“ (1975) wohl das bekannteste ist.
Ein nicht minder erwähnenswerter Künstler war Petrus Wandrey aus Dresden. Er studierte Design in Hamburg, wo er den Rest seines Lebens verbrachte, mit Ausnahme einer kurzen Zeit, in der er beim WDR-Fernsehen in Köln angestellt war und das Produktionsdesign für „Brandstifter“ (Arsonists) entwarf, einen frühen Fernsehfilm über die Anfänge der „Roten Armee Fraktion“. Zu seinen Hauptwerken gehören Gemälde, Skulpturen, Installationen, Möbel und Schmuckdesign. Um Geld für seine Kunstprojekte zu verdienen, begann er, Cover für die Zeitschriften Stern, Spiegel und Playboy sowie Buchillustrationen und Plakate für einige Fassbinder-Filme zu gestalten. Als Fan der Dada-Bewegung, von Warhols Pop-Art und Dalís Surrealismus entwickelte er einen Stil, der sich irgendwo dazwischen bewegte, aber seine individuelle Handschrift ist unverkennbar:
Ebenfalls erwähnenswert: Peter Geitner, der für Kaiser’s Cosmic Music arbeitete:
Barbara und Burkhart Wojirsch, Dieter Rehm und andere stilprägende Grafiker und Fotografen waren für das Münchener ECM-Label tätig:
Die ECM-Cover wurden sehr schnell berühmt; ihre Bild-, Foto- und typografische Gestaltung fand sich wieder in Ausstellungen und Kunstbüchern -- etwa diesem, das auf dem Gebrauchtmarkt heute Fantasiepreise erzielt:
Der Maler Albert Oehlen gestaltete "Mirror Repair" von Gastr Del Sol:
Auch Gerhard Richter gestaltete Cover; sein Gemälde „Kerze“ für Sonic Youth’s "Daydream Nation" ist heute berühmt, auch ein Steve-Reich-Cover stammt von ihm:
Der Fotograf Wolfgang Tillmans gestaltete "3 Weeks" von Tiga: Der Grafiker und Kabarettkenner Reinhard Hippen war fester Mitarbeiter für Rolf-Ulrich Kaisers Labels Ohr und Pilz, von ihm stammt auch das "Macht das Ohr auf"-Logo:
Der Beuys- und Richter-Schüler Emil Schult entwarf Cover und Poster für Kraftwerk:
Monika "Monique" und Edgar Froese gestalteten Grafiken und Fotos für ihre Tangerine-Dream-Covers; Edgar selbst war jobweise auch als Grafiker für die Berliner Verkehrsgesellschaft (BVG) tätig gewesen:
Auch Dieter Moebius gestaltete Cover für sein eigenes Ensemble Cluster, aber auch für andere:
Es gab noch eine Reihe weiterer Künstler, die Schallplattencover entworfen und realisiert haben. Der überwiegende Teil wurde jedoch von namenlosen Grafikern gestaltet, die bei einer Plattenfirma angestellt waren. Und so sahen die meisten ihrer Cover denn auch aus.
Quellen:
- Helmut Wenske: Scheiß drauf -- Eine Rock'n'Roll-Bio in Bildern, ein Leben gegen den Strich. Berlin 2003. (Passim und Seiten 124, 131, 133, 142)
- Wenske/Hyde: Colours & Sounds -- Storys und Malerei zur Rockmusik. Berlin 2025
- Lars Müller: ECM -- Sleeves of Desire. Princeton 1996
- Axel Czarnecky, Daniel Siebert: Roll over Hanau -- Eine Stadt, die Amerikaner und ihre Musik. Dokumentafilm, Deutschland 2009.
- Klaus Lemke: Brandstifter. Film, Deutschland 1969.
- Jack Kirby: Panel aus "The Mighty Thor" #134, November 1966
- und einige andere.
© Halvmall Verlag, Bremen 2020
